Exclusivo | El compositor de Final Fantasy Tactics, Hitoshi Sakimoto, confirma que "FFT es rock"

De Wrocław a Londres

El GMF comenzó en 2018 en Breslavia y desde entonces se ha trasladado a recintos como el Royal Festival Hall y Fairfield Halls de Londres. Mat y Marta, ¿cómo fue ese viaje y en qué momento supieron que el festival podía funcionar a esta escala?

Queríamos encontrarnos con nuestro público a medio camino y acercarnos a la gente apasionada por la música de videojuegos, así que llevar el festival a Londres tenía mucho sentido. Allí hay una enorme base de aficionados a los juegos, y para muchos es mucho más fácil llegar. El interés de la gente de la industria también estaba aumentando, lo que hizo que la expansión a Londres se sintiera como el paso natural y correcto.

Aún recuerdo haber charlado con Gareth Coker (el compositor detrás de Ori y otros éxitos) después de uno de nuestros conciertos de Wrocław. Barajamos la idea de hacer un concierto de Ori and the Blind Forest en Londres, y se encendió de entusiasmo. Juntos, empezamos a trabajar en una nueva edición londinense, arrancando con "La sinfonía de los espíritus", con música de Ori and the Will of the Wisps y Ori and the Blind Forest. ¡Ese fue un verdadero punto de inflexión!

La presión de Final Fantasy

Sakimoto, usted celebra este año sus 40 años de compositor. Cuando escribió la partitura de Final Fantasy Tactics allá por 1997, ¿le pareció una música que aún se interpretaría en directo casi tres décadas después?

En el momento en que componía, estaba completamente absorto en el trabajo y no pensaba en el futuro en absoluto. Pero después de que el juego saliera a la venta y viera la fuerte respuesta, pensé: "Bueno, al menos no ha sido un fracaso total" Es algo extraño. Por supuesto que me alegro cuando la gente aprecia mi trabajo, pero no puedo tomarme sus palabras al pie de la letra, y a menudo me deja con sentimientos encontrados. Lo hice lo mejor que pude, por supuesto, pero creo que nunca creí que fuera algo que se sostuviera plenamente por sí mismo como banda sonora.

Mat y Marta, la GMF ha acogido ya dos conciertos de Final Symphony con licencia oficial de Square Enix, en 2023 y 2024, con música de Nobuo Uematsu y Masashi Hamauzu. Para una comunidad como Final Fantasy Union, cuyo público creció con esa música, ¿qué significa llevar esas partituras a un entorno de sala de conciertos?

Para la comunidad Final Fantasy muchos de estos aficionados aprecian profundamente la música y sienten una fuerte conexión emocional con los juegos y la música que los acompañó. La música actúa como portadora de esas emociones. Trae de vuelta los sentimientos de jugar al juego y los momentos vitales ligados a él. Para muchos, escucharla en directo en una sala de conciertos con una orquesta completa, con una calidad de primera, tiene un valor increíble. Les permite sumergirse plenamente en la música allí mismo, en el momento, sin distracciones.

"La interpretación en directo es pura emoción. Es lo contrario de la lógica" - Hitoshi Sakimoto

Sakimoto, ¿qué se siente realmente al escribir música para un título de Final Fantasy? ¿Existe una presión ligada al legado de ese nombre, o le libera?

Sentí mucha presión, sobre todo con Final Fantasy XII. Participar como creador en una obra que personalmente amaba fue muy difícil. Para mí, ser fan y ser creador están fundamentalmente reñidos. Al final, lo único que pude hacer fue intentar olvidar por completo que era fan de la serie y abordarla como una obra totalmente nueva, dando lo mejor de mí.

Ya ha hablado antes de sentir el peso del legado de Nobuo Uematsu al componer para Final Fantasy XII, hasta el punto de que intentó escribir en su estilo antes de apartarse de él. ¿Qué le enseñó ese proceso sobre su propia voz?

Puede sonar a tópico, pero me recordó que cada persona percibe el mundo y produce resultados a través de su propio "dispositivo de entrada" y su propia mente, y que esto difiere completamente de una persona a otra. Incluso si juego a la serie Final Fantasy y escucho la música de Uematsu, mientras pase por mi propio filtro, el enfoque será inevitablemente diferente. Al principio, me costó aceptarlo, pero finalmente dejé de darle demasiadas vueltas. Es obvio en retrospectiva, pero supongo que entonces necesitaba ese tiempo.

El sonido de Ivalice

Final Fantasy Tactics y Final Fantasy XII tienen un tono muy diferente. Uno es aterrizado y casi militarista, el otro es arrollador y grandioso. ¿Cómo se abordan dos juegos de la misma franquicia que exigen mundos emocionales tan diferentes?

Como usted ha dicho, musicalmente hablandofFT se centra en el equilibrio emocional de la gente en tiempos de guerra, mientras que FFXII presenta el mundo entero como vívido y lleno de esperanza. Esto refleja el tipo de regusto que el Sr. Matsuno quería para cada obra. Concretamente, con FFT, mi objetivo era transmitir el sentimiento de búsqueda del propio sentido de la justicia dentro de un mundo opresivo. Con FFXII, hice hincapié en los fuertes contrastes de color y trabajé para mantener ese tono incluso en las secciones medias y posteriores, más pesadas.

Ivalice, el mundo que comparten Final Fantasy Tactics y Final Fantasy XII, tiene un sonido muy específico. Usted lo ha descrito como orquestal puro porque así es como debe sonar la fantasía. ¿Ha cambiado en algo su definición de cómo suena la fantasía en los años transcurridos desde entonces?

No estoy seguro de que "orquesta pura" sea el término adecuado, pero sí que intenté utilizar tantos instrumentos orquestales tradicionales como fuera posible. La orquesta es un formato bien establecido, pero sigue evolucionando. Creo que ese esfuerzo continuo es lo que ha dado forma a su historia y ha mantenido viva su brillantez. Mi orquestación es bastante poco convencional, pero intenté empaquetarla con mis ideales y esperanzas para la orquesta. Ese respeto no se ha desvanecido. Personalmente, prefiero el sonido orquestal sin sintetizadores y sin depender de mezclas pesadas.

¿Hay momentos en sus partituras de Final Fantasy Tactics o Final Fantasy XII que siempre sintió que estaban limitados por el hardware de la época y que una interpretación orquestal en directo le permite por fin realizar plenamente?

Cuando trabajaba con el hardware de los juegos, esa era la forma acabada para mí, y mi objetivo era conseguir algo que los instrumentos en directo no pudieran reproducir. Por supuesto, eso hacía extremadamente difícil interpretar esas piezas en directo tal y como eran. Pero las técnicas de interpretación han seguido mejorando y, lo que es más importante, ahora hay más músicos amantes de los juegos dispuestos a asumir estos retos. Estoy verdaderamente agradecido por ello.

El rock, el código y la orquesta: el viejo debate zanjado

Usted empezó construyendo sus propios controladores de sonido antes de componer. Usted fue esencialmente un programador primero. ¿Hasta qué punto esa base técnica sigue moldeando su forma de pensar sobre la música, sobre todo a la hora de adaptarla para la interpretación en directo?

Yo era un empollón de las matemáticas, pero sinceramente, un enfoque matemático no ayudó a mi música. Puede que incluso fuera perjudicial. (Risas) Afortunadamente, me di cuenta pronto, así que me impuse la norma de evitar el razonamiento lógico cuando se trata de música. En su lugar, me entrené para confiar en mis sentidos y construir la intuición a través de la experiencia, al tiempo que exploraba formas de crear sorpresa. La actuación en directo es pura emoción. Es lo contrario de la lógica. Pero hay puntos en los que se cruzan, y he visto surgir muchas interpretaciones nuevas de esa intersección. Hay mucho que aprender de la actuación en directo.

Sus mayores influencias declaradas son YMO, Kraftwerk y bandas de rock progresivo como Emerson, Lake and Palmer y los primeros Genesis. Sin embargo, las partituras de sus juegos son casi totalmente orquestales. ¿Cómo concilia esas dos cosas, y sigue vivo algo de ese ADN electrónico en las partituras de Final Fantasy Tactics y Final Fantasy XII?

Por supuesto. Definitivamente está ahí. FFT es rock La tuba y el trombón actúan como un bombo, y otros instrumentos asumen los papeles de la caja y el hi-hat. Ritmos similares a los de la guitarra se entretejen e impulsan la melodía, e incluso hay una sensación de voz. Aunque incorporo la fuerza de los instrumentos orquestales, hay esencialmente una estructura de banda por debajo. Incluso hay ritmos mecánicos y tecno de la primera música electrónica (Risas)

Usted fundó Basiscape para darse más libertad creativa. ¿Cómo ha cambiado su forma de componer el hecho de dirigir ese estudio?

Sinceramente, puse en marcha la empresa con la esperanza de que me facilitara las cosas, pero resultó ser bastante exigente (risas). Dicho esto, poder dividir el trabajo significaba que podía aprender de gente con estilos completamente diferentes. Eso ha sido increíblemente valioso. No se trata sólo de técnica. La diversidad en las formas de pensar es realmente importante.

Actuar en directo

La música de los juegos está diseñada para entrar en bucle, responder y respirar de forma diferente en función de lo que haga el jugador. Cuando se adapta eso para orquesta, ¿qué hay que cambiar y qué hay que luchar por mantener?

Esto se aplica más allá de las orquestas, pero cuando creamos bandas sonoras, intentamos escribir música de forma que aproveche sus puntos fuertes inherentes. Eso significa guiar las emociones durante un largo periodo de tiempo y evocar una sensación universal de dramatismo en el oyente. El sonido orquestal, en particular, carece de adornos innecesarios a la vez que ofrece una amplia gama de colores y dinámicas, lo que lo convierte en un medio ideal para ese fin.

Mat, como presidente de la Fundación, adopta la visión estratégica. Final Fantasy cuenta con una base mundial de fans profundamente apegados a su música. ¿Cómo enfoca la programación para un público que ya tiene una relación personal con estas partituras antes incluso de sentarse?

Me encanta que nuestro público de conciertos tenga una conexión emocional tan fuerte con la música que presentamos. Por un lado, supone una inmensa satisfacción. Se pueden observar esas emociones en directo durante la interpretación. Por otro lado, esta carga emocional conlleva una gran responsabilidad. Puede sonar extraño, pero durante los ensayos encuentro mi mayor concentración en la propia música. Sin embargo, durante el concierto, me encanta mirar discretamente al público y sus rostros concentrados y llenos de emoción.

Con la serie Final Fantasy, es especialmente pronunciado. Su música está una liga por encima incluso en el ya de por sí emotivo mundo de las partituras de videojuegos cuando se trata de conectar con el público. Esto significa tratar con oyentes que tienen unas expectativas específicas, conocen el material de memoria y guardan fuertes recuerdos ligados a él. Producir un concierto así exige un cuidado meticuloso y atención a cada detalle.

"Su música se sitúa a una liga por encima incluso en el ya de por sí emotivo mundo de las partituras de videojuegos" - Mat Pawlak

Sakimoto, usted ha asistido a interpretaciones en directo de su obra anteriormente, en Distant Worlds y en el concierto de la Orquesta Hoshirabe en Tokio. ¿Oír a una orquesta tocar música escrita por usted se siente como escuchar algo familiar, o se convierte en algo nuevo cada vez?

A menudo se siente como algo nuevo y muy estimulante. Las interpretaciones pueden diferir de lo que yo pretendía originalmente, pero eso se debe a que los arreglistas consideraron que esas elecciones eran necesarias. Aprendo mucho escuchando eso.

¿Qué le inspira cuando escucha su propia obra interpretada en directo ante un público?

Escuchar mi propia música puede resultar un poco inquietante, pero ver al público disfrutarla y estar inmersa en esa energía es increíblemente reconfortante. Me da valor para seguir adelante. Ser capaz de ganar fuerza de esa manera es realmente una bendición.

Los colores de la armonía

El concierto se titula "Los colores de la armonía". ¿Qué significa esa frase para usted personalmente en el contexto de una carrera que abarca los RPG tácticos, las epopeyas fantásticas, los mundos pictóricos de Vanillaware y el anime?

El título no se me ocurrió a mí, pero expresa perfectamente el mundo al que he aspirado, lo que me hace muy feliz. Espero que la gente disfrute de los temas de cada juego y de la música que les da vida.

Mat y Marta, The Colors of Harmony se centra en la obra de Sakimoto específicamente, más que en el catálogo más amplio de Final Fantasy. Para los fans de Final Fantasy que quizá no conozcan sus títulos de Vanillaware como 13 Sentinels u Odin Sphere, ¿qué les gustaría que se llevaran de escuchar esa música junto a las partituras de FF que ya adoran?

Rara vez hacemos conciertos tan completos y transversales. Más a menudo, son monográficos, centrados en un juego o serie. En este caso, estamos haciendo una panorámica de la obra del compositor. Ese es el hilo conductor de toda la partitura. Estilísticamente, las bandas sonoras pueden parecer diferentes a veces, pero en última instancia, están unidas por el espíritu artístico de un creador. Pensamos que sería una experiencia intrigante. Sin duda, en el concierto habrá aficionados que conozcan toda la obra de Hitoshi Sakimoto. Para ellos, será un verdadero festín. También habrá gente que venga únicamente por el extenso segmento de FF, desconocedora de sus otros títulos. Esperamos que para ellos sea un descubrimiento del lado desconocido de la creatividad de este maestro japonés.

"Cuando los artistas colaboran libremente, conjuran algo verdaderamente mágico" - Marta Pawlak

Marta, su papel en el GMF se centra en las salas y en la logística para que estos conciertos se hagan realidad. ¿Qué hace falta para traer a un compositor como Sakimoto a un escenario como Fairfield Halls, y qué es lo que el público nunca ve que entra en juego en una noche como ésta?

Invitar a un compositor requiere una planificación meticulosa y la colaboración de muchos equipos, así como tener en cuenta los imprevistos y la flexibilidad para manejar giros inesperados. En primer lugar, presentamos la visión del festival al compositor y al desarrollador del juego, convenciéndoles de la idea del concierto.

Una vez que sorteamos las aprobaciones formales y la burocracia, nos sumergimos en la parte artística: contratar a orquestadores de primer nivel para crear arreglos adecuados para un concierto con una dramaturgia convincente. Las bandas sonoras de los juegos suelen abarcar horas de música, así que las convertimos en un concierto atractivo de una hora y media que cautive a los oyentes. Al mismo tiempo, tenemos que ocuparnos de la logística, desde fijar la fecha del concierto hasta organizar el viaje y el alojamiento del artista y su equipo. Tenemos que tener en cuenta muchos riesgos relacionados con la logística, por ejemplo, que no se produzcan circunstancias adversas que impidan la llegada del compositor.

El público nunca ve lo que hay entre bastidores, la enorme cantidad de correos electrónicos, las reuniones con el compositor y el desarrollador del juego o el ajuste de horarios. Son muchos meses de preparativos y de resolver los problemas repentinos que surgen.

¿Pero la verdadera guinda del pastel? La creación de una atmósfera acogedora para que todos en el escenario se sientan a gusto. Cuando los artistas colaboran libremente, conjuran algo verdaderamente mágico. En última instancia, el éxito significa un público encantado y unos intérpretes felices, todos saboreando el efecto final.